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- Espressionisti
LA GUIDA SI POSIZIONA AL CENTRO DELLA DELLA SEZIONE DEGLI ESPRESSIONISTI DAVANTI ALL’ABITO DI RICHARD QUINN:
Ci troviamo nel primo dei raggruppamenti immaginati da Olivier, dedicato agli ESPRESSIONISTI ( facendo riferimento all’ Espressionismo, movimento artistico nato in Germania, diffuso a partire del primo ventennio del Novecento).
Questa sezione comprende sei designer accomunati dal concetto della de-costruzione dell’abito, una visione intima che porta all'introspezione, all'evocazione di ferite morali o fisiche. In queste opere noterete colori schietti, il nero cupo, colature e asimmetrie su abiti che diventano specchi dei sentimenti dei designer.
LA GUIDA RACCONTA 2/3 DEGLI ABITI ESPOSTI:
Vediamo insieme il primo artista, che abbiamo già incontrato nella Library, Aharon Israel Genish. Il titolo del suo progetto è “Lo tishtok - non sarai messo a tacere”, ricordate? L’abito esprime l’esigenza di non nascondere il trauma subito, anzi di esporlo chiaramente, quasi urlarlo, per poterlo superare.
2020 Aharon Israel Genish
2020 AHARON ISRAEL GENISH:
“LO TISHTOK”- NON SARAI MESSO A TACERE
Per questo designer israeliano la collezione diventa catarsi, la risoluzione di un trauma infantile: un abuso sessuale vissuto all’interno della sua comunità ebraica ultra ortodossa. Gia’ dal portfolio noi entriamo dentro artisticamente i canoni estetici e visivi degli abiti della collezione. Qui il designer letteralmente sperimenta con i propri sensi, va a vedere consistenze, spessori, colori, cuce direttamente sul portfolio perché e’ alla ricerca continua, attraverso il portfolio che diventa quindi strumento, di quell’estetica che vorrà portare negli abiti. E’ un racconto per immagini della risoluzione del suo trauma.
/ Lo Tishtok - Non sarai messo a tacere Uno dei principali fenomeni della cultura Ultra-Ortodossa è ciò che accade nell’ombra del silenzio.Ogni giorno bambini e ragazzi subiscono molestie sessuali, senza aver modo di far sentire la loro voce. Da bambino Aharon è cresciuto in una famiglia Ultra-Ortodossa ed è stato educato seguendo la Torah. In questi anni il rabbino ha iniziato a ricoprirlo di apprezzamenti, facendo di lui il suo Chavruta (compagno di studi) ogni sera. Una di queste sere, durante lo studio, Aharon si è sentito soffocare, e non è difficile immaginare cosa sia successo dopo. La sua collezione riflette il processo emozionale da lui vissuto: la vendetta e l’accettazione dello shock emotivo vengono raccontati attraverso gli occhi di un bambino. Il suo lavoro è il simbolo del suo urlo quotidiano, della sua volontà di rispettare l’undicesimo comandamento: nessuno deve metterti a tacere. /
2020 Aharon Israel Genish
Posizione attuale:
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Concept:
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Proseguendo, con quest’abito lungo bianco che sembra una tela dipinta troviamo Richard Quinn:
2015 Richard Quinn
2015 Richard Quinn Fashion
CRACKED COUTURE
Questo designer inglese ha ricevuto il Best Emerging Designer ai Fashion Awards (gli Oscar della moda) nel 2018, e nello stesso anno e’ stato il primo vincitore del Queen Elizabeth II for Fashion Award, che gli fu assegnato personalmente dalla Regina Elisabetta.
Richard Quinn ha voluto declinare la sua idea di creatività omaggiando l’immagine tradizionale dell’Haute Couture del passato, al tempo stesso smontandola: l’abito diventa una sorta di tela pittorica su cui dipingere a mano. Richard ha una grande passione per le stampe tanto da avere un intero dipartimento dedicato, che lavora anche per altri marchi. Richard è stato anche più volte coinvolto nelle celebri capsule collection per Moncler Genius.c
Own line RICHARD QUINN Couture Spezzata Richard Quinn smonta l’immagine tradizionale dell’ Haute Couture del passato, creando degli abiti che sembrano un collage di pagine strappate dai giornali di moda. Nasce così una couture totalmente nuova, che non dimentica le proprie origini. Abiti decorati con ricamo e screen printing, dipinti a mano come fa un pittore su di una tela bianca. Ogni abito è una mescolanza di forme e tessuti, come se fossero stati strappati a metà e poi riattaccati. The Queen Elisabeth II sat front row for his autumn/winter 2018 show.Her audience was requested by the British Fashion Council to present Quinn with the inaugural Queen Elizabeth II Award for British Design
2015 Richard Quinn
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Ancora in questo raggruppamento troviamo Seiran Tsuno con un abito in 3D che pare uscire dal corpo, a metà strada tra abito e gioiello da indossare al collo: “Spiriti Erranti” e’ il titolo che ha voluto dare al suo progetto.
2018 Seiran Tsuno
2018 Seiran Tsuno Fashion Diesel
WANDERING SPIRITS
La particolarità di questa collezione e che è stata creata con una penna 3D, una penna che permette di staccarsi dal foglio e disegnare forme tridimensionali solide. La sua idea era di sviluppare un abito che potesse “comunicare con il mondo invisibile”, le sue silhouette si ispirano all’estetica della tradizione sciamanica giapponese e sembrano vivere a mezz'aria, come staccate dal corpo, quasi a voler essere indossatie come collane, creando l’ effetto di un ectoplasma che esce dal corpo. Seiran, laureatasi alla scuola Coconogacco dell’ex-finalista Yoshikazu Yamagata, è una designer piuttosto unica: lavora come infermiera in un ospedale psichiatrico, ed è designer nel tempo libero, per passione. La musa della collezione, che potete vedere nel video, è la sua nonna.
Freelance Fashion Designer Psychiatric nurse Spiriti Erranti Seiran ha creato i suoi modelli mentre lavorava come infermiera in un ospedale psichiatrico. La sua idea era di sviluppare un abito che potesse “comunicare con il mondo invisibile”. Le silhouette si ispirano all’estetica degli sciamani giapponesi: tutta la collezione è stata creata con una penna 3D, con il risultato che i suoi pezzi possono essere indossati sia come abiti che come collane. Sembra che stiano a mezz’aria, come staccati dal corpo: sono come degli spiriti erranti, destinati ad andarsene se vengono lasciati da soli.
2018 Seiran Tsuno
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LA GUIDA INDICANDO GLI ALLEGATI:
Infine, nel caso vi stiate chiedendo cosa siano gli oggetti riposti nelle teche a fianco agli abiti, questi arrivano assieme al portfolio e ne sono parte integrante. Hanno un aspetto materico importante: integrano e completano il portfolio offrendo maggiori dettagli sulle tecniche costruttive, sul concetto iniziale, sullo sviluppo del processo creativo. Ulteriori espressioni della creatività del designer!
2020 Tara - Al Wali Babylon
Babylonia 2020
Own Line Tara Babylon Babylonia 2020 Il progetto fashion di Tara è un’espressione contemporanea, una performance che racconta la sua vita. Tara ha usato ognuna delle 5 città in cui ha vissuto per creare delle performance, degli stili, dei tessuti, dei racconti visivi. Il suo lavoro consiste in un mix unisex di movimento e artigianato. Il punto di partenza per la collezione è stato riprendere in mano i ricordi legati ad ognuna di queste città (Baghdad, Sheffield, Manchester, Londra e New York), creando dei tessuti e delle tecniche ispirati ad ognuna di esse. Nel suo processo di design Tara ha usato se stessa come una tela bianca dove rappresentare le sue performance, e dalle quali a sua volta prende ispirazione per sviluppare le sue idee di forme e silhouettes. Crea così una collezione che nonsi identifica con nessun genere in particolare.
2020 Tara Al-Wali Babylon
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2008 Amai Rodriguez Coladas
Welcome Home / Benvenuto a casa
Own line Amai Rodriguez Benvenuto a casa Quando fu nominato professore di architettura alla Royal Academy di Londra nel 1806, Sir John Soane iniziò a sistemare in casa sua libri di architettura, calchi
2008 Amai Rodriguez Coladas
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Owner 8vintageshop - 80s 90s Vintage clothes & Custom hand painted piecestitolo concept:
Concept:
e modellini, aprendola agli studenti il giorno prima e dopo le sue lezioni. La casa divenne un museo e poco dopo fu descritta come una “Accademia di architettura”. Sculture, oggetti, medaglie, disegni e stampe architettoniche, reperti medievali... Un’enorme collezione proveniente da tutto il mondo con i più diversi colori, gusti e materiali. La collezione di Amai è fatta di personaggi che vivono nella casa museo di John Soane. Dei fantasmi che si mimetizzano come camaleonti nascondendosi negli angoli delle stanze. curiosità:
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2018 Caroline Hu
Renaissance romanticism / Rinascimento romantico
Own line HÚ Rinascimento Romantico Secondo Caroline, il potere della bellezza e della poesia possono farci dimenticare le difficoltà del mondo in cui viviamo. Ispirandosi al Rinascimento, con i suoi tessuti
2018 Caroline Hu
Posizione attuale:
titolo concept:
Concept:
ha ricreato l’effetto delle pennellate di colore sui quadri, intrappolandole in una rete di organza. Reti e impalcature vengono utilizzati anche per la ristrutturazione o il rinnovamento dei palazzi dell’architettura risalente al periodo Romano. Caroline trova molto affascinante questo contrasto, questa coesistenza tra antico e moderno: rende l’architettura molto più interessante, e allo stesso tempo dimostra il tentativo della modernità di preservare e proteggere l’antichità. curiosità:
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- Neo futuristi
LA GUIDA SI POSIZIONA AL CENTRO DELLA SEZIONE DEI NEO FUTURISTI:
Ci troviamo ora nel raggruppamento dei NEO FUTURISTI. (che fa riferimento alla corrente neo-futurista, diffusasi tra la fine del XX e l'inizio del XXI secolo investendo i campi di arte, design e soprattutto architettura, riadatta in chiave contemporanea alcuni elementi del movimento futurista).
Qui il curatore ha voluto includere abiti le cui forme estroverse avessero una chiusura con il passato e un richiamo invece a fantasie costruttive e forme che preannunciano un futuro di preoccupazioni e speranza al tempo stesso. Ne è un esempio Aitor Throup con il suo concept, “Quando gli hooligan diventano divinità indù”.
2006 Aitor Throup
2006 Aitor Throup
WHEN FOOTBALL HOOLIGANS BECOME HINDU GODS
Aitor, e’ uno dei talenti più completi e interessanti scoperti da ITS CONTEST. Artista poliedrico, creativo a 360 gradi, arriva alla moda attraverso un percorso davvero singolare: tutto inizia da personaggi che nascono e vivono nella testa di Aitor, che per volontà di scoprirli inizia, da autodidatta, a disegnarli. Il talento nel disegno è incredibile, tanto che Aitor potrebbe tranquillmente perseguire una carriera nei fumetti d’autore. Ma la curiosità nell’approfondire ancor di più i personaggi, unita ad una passione per l’anatomia umana, lo porta ad esplorarli tridimensionalmente, a scoprire come si vestono pure, arrivando cosi alla moda. Ma l’estetica in Aitor è sempre seconda alla funzionalità: i teschi che vedete infatti sono delle borse, il twist del pantalone ha la funzione di copertura delle suole, il cravattino ha un portaoggetti che richiama la tradizione religiosa hindu. La storia alla base dei personaggi è decisamente da fumetto d’autore al confine tra realtà e surrealità: un gruppo di hooligans dopo un attacco razzista ha una sorta di pentimento catartico e di rivelazione e si trasformano in divinità indù (ad esempio i teschi sono Shiva). Il tutto mescolato ai canoni estetici degli hooligans che possiamo vedere nell’impronta chiaramente militare di questi abiti.
Aitor ha in seguito collaborato con i marchi storici che hanno ispirato il suo lavoro degli esordi: CP Company di Massimo Osti (per cui ha sviluppando un re-engineering della storica Mille Miglia jacket), Stone Island (sviluppando un piumino modulare limited edition), fino ad approdare alla direzione creativa insieme a Pharrell Williams di G-Star Raw. Ha inoltre collaborato con artisti della musica come Flying Lotus (maschera custom) Damon Albarn (copertina e direzione artistica dell’album d’esordio da solista), Kasabian (sviluppo e produzione di tour, video e copertine). Nel mondo del cinema, con attrici come Noomi Rapace e sviluppando costume design per la serie Hunger Games.
own line AITOR THROUP Quando gli hooligan diventano divinità indù Quella di Aitor non è semplicemente una collezione di vestiti: parla di personaggi che vivono e si evolvono nella sua testa, ognuno con la sua storia. In questa collezione, alcuni hooligans iniziano a dubitare delle proprie idee e convinzioni, radicate nella violenza organizzata che si cela dietro alla fede calcistica: dopo un attacco razzista, capiscono finalmente la negatività del loro stile di vita violento. Aitor mostra il tentativo di ognuno dei personaggi di riemergere dalle ceneri per trasformarsi in una divinità indù. Per farlo ha studiato le specifiche posizioni anatomiche del corpo umano, l’estrema funzionalità degli indumenti militari e brand quali CP Company e Stone Island. Ogni abito rappresenta una divinità ispirandosi nel contempo a un indumento militare. Aitor ha prodotto le grafiche per le t-shirt e le bags di ITS SIX
2006 Aitor Throup
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2007 Heaven Tanudiredja
The poetry of memory / La poesia della memoria
2010 Yong Kyun Shin
The extremis of optical effects / Gli estremi degli effetti ottici
Own lines Kenney Shin, YKS and Alogon Gli estremi degli effetti ottici Yong Kyun si è ispirato agli schemi ripetitivi dell’arte ottica, realizzati con colori contrastanti come biancoe nero. Per replicare questo effetto nei suoi outfit, ha cercato di trovare quell’elemento chiave che permetta, attraverso la ripetizione, di esplorare la forma e la figura, rimandando sempre all’effetto ottico. Come materiale ha scelto dei fermagli per capelli: a riprova delle sue abilità manuali, tramite un lungo processo di lavorazione ha ricoperto di pelle e lana centinaia di fermagli, collegati tra loro per ottenere le sue silhouettes. Nascono così dei pattern e delle forme incredibili. Ha vestito la famosa cantante islandese Bjork per il Biophilia tour del 2013.
2010 Yong Kyun Shin
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2006 Mikio Sakabe
Reversible manga tailoring / Sartoria Manga reversibile
Own line MIKIO SAKABE Sartoria manga reversibile Mikio combina sartoria maschile a tessuti e stampe colorate ricavate dai suoi disegni. Il risultato è una collezione di abiti reversibili: un lato è totalmente Nel 2008 ha contribuito a fondare la scuola Coconogacco a Tokio, in Giappone.
2006 Mikio Sakabe
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Co-Founder Coconogaccotitolo concept:
Concept:
grigio, formale, con inserti tridimensionali di paesaggi metropolitani. Girando gli abiti al rovescio, troviamo tuttavia una festa di colori, con una fantasia fortemente ispirata ai disegni manga. Abiti pieni di dettagli e strati di tessuto che danno una sensazione di profondità, ravvivando la bidimensionalità delle stampe. curiosità:
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2016 Olesya Serchenko
On the edge / Sul confine
Own line no.rr 321 Sul confine La collezione rappresenta gli stereotipi sui russi sotto una luce diversa. È la combinazione di due mondi contrastanti: uno basato sulla tradizione, l’altro sulla modernità. L’estetica tradizionale della collezione è ispirata ai costumi nazionali russi usati prima della Rivoluzione quando, negli ultimi giorni dell’impero il progresso tecnico influenzava ogni aspetto della vita, inclusi gli abiti dei contadini. Le forme tradizionali, i tessuti e le strutture rimasero tuttavia forti e difficili da sradicare. Olesya ha voluto ricreare questo passaggio da antico a moderno portandolo all’estremo: alle forme, alle tecniche e ai dettagli antichi si uniscono costruzioni, accessori e materiali moderni.
2016 Olesya Serchenko
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titolo concept:
Concept:
curiosità:
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2016 Cheng Zong Yu
The Variation of Taiwanese culture / Variante della cultura taiwanese
Costume designer at Change Cheng Variante della cultura taiwanese Miuccia Prada una volta disse: “Il brutto è attraente, è eccitante. Forse perchè è qualcosa di nuovo”. Queste parole hanno spinto Cheng Zong a confutare l’idea che il senso estetico sia un qualcosa di immutabile. Ha scelto di usare la Glitch Art (estetica che si basa su errori prodotti dai device tecnologici, come la deformazione di immagini e colori), scontrandosi con l’idea classica di “perfezione”. Con il glitter, applicato tramite la sublimazione, crea una superficie del tutto nuova. Il primo finalista selezionato dalla scuola Shih Chien University, anno in cui hanno iniziato ad interessarsi a ITS
2016 Cheng Zong Yu
Posizione attuale:
titolo concept:
Concept:
I pattern sfarzosi si ispirano ai tradizionali spettacoli teatrali di Taiwan, pieni di colori brillanti e ornamenti ispirati ai draghi cinesi e ai templi tradizionali. Tutti questi elementi solitamente additati come brutti e kitch diventano un simbolo di ribellione contro la perfezione, un nuovo codice di bellezza genuina. curiosità:
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- Astrazioni Liriche
LA GUIDA SI POSIZONA DAVANTI AL CAPO DI KIN YAN LAM e INTRODUCE IL PROSSIMO CLUSTER
Eccoci ora nel raggruppamento dedicato alle ASTRAZIONI LIRICHE (indicando il pannello del cluster). Non a caso questa sezione si apre con le parole di Ellsworth Kelly “Se riesci a spegnere la mente e a guardare solo con gli occhi, alla fine tutto diventa astratto”.
In questa sezione ritroveremo l’astrazione delle silhouette che segue forme geometriche, talvolta ridotte all'essenzialità di un cerchio o di un parallelepipedo. Sul corpo si creano tettoniche di tessuti, costumi manifesto, soluzioni per il futuro, coerenze estetiche radicali.
Il primo artista che incontriamo e’ Kin Yan Lam: “Ti prego, non farmi sparire”, questo il titolo del suo concept.
2020 Kin Yan Lam
2020 Kin Yan Lam Fashion
PLEASE DON'T LET ME GO EXTINCT...
Questo creativo cinese ci ha voluto trasmettere la cultura millenaria del popolo Dong del sud della Cina, attraverso il loro tessuto tradizionale sostenibile. Questo tessuto infatti ha un procedimento a km 0 che include la raccolta del loro cotone, la filatura, la tessitura, il ricamo, la colorazione naturale con materiale organico dei loro animali, e una battitura prolungata su pietra per il fissaggio del colore anche attraverso l’utilizzo dell’albume per fissarne la lucentezza. Tanto più il tessuto viene battuto, tanto più è considerato prezioso. Unitamente al tessuto Kin ha lavorato sulle forme il cui studio deriva dalle tecniche di piegatura degli imballaggi di carta.
Own Line genau studio Ti prego, non farmi sparire Il tessuto tradizionale Dong rappresenta una nazione dalla cultura millenaria: viene infatti creato con un lungo processo che include la raccolta del cotone, la filatura, la tessitura, il ricamo, la colorazione naturale e una battitura prolungata su pietra. Viene prodotto in modo sostenibile dalla comunità Dong (originaria del sud della Cina) da migliaia di anni ed è alla base della collezione di Kin Yan. Partendo da cartamodelli ispirati alle tecniche di packaging tradizionali, ha così creato degli abiti maschili dalla forma innovativa. La collezione, attraverso l’utilizzo delle tecnologie moderne, è una nuova interpretazione della sostenibilità e dell’ artigianato tradizionale.
2020 Kin Yan Lam
Posizione attuale:
titolo concept:
Concept:
curiosità:
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A sinistra potete vedere l'abito di Kim Shui:
2015 Kim Shui Fashion
2015 Kim Shui Fashion
SENZA TITOLO
Questa designer nella sua collezione ha voluto ridefinire il concetto di femminilità, annullando la forma classica femminile per ridisegnarne una completamente nuova, e trovare nuova eleganza con linee e forme geometriche che annullano il corpo femminile classico, mettendo in discussione il concetto di sensualità. Kim Shui ha successivamente lanciato un marchio eponimo di successo, incluso nei Forbes 30 under 30 (30 designer sotto i trent’anni da tenere d’occhio) e amato da celebrità del calibro di Cardi B, Mary J Blige e Kyle Jenner.
Own line KIM SHUI Senza titolo La collezione di Kim Shui ricontestualizza le forme femminili esplorando l’astrazione del corpo. Come disse il pittore e scultore Ellsworth Kelly “Credo che se potessimo spegnere la mente e guardare solamente con i nostri occhi, alla fine tutto diventerebbe astratto”.
2015 Kim Shui
Posizione attuale:
Shows at New York Fashion Weektitolo concept:
Concept:
Il corpo, dalla forma basica e pura, perde ogni metafora ed associazione, diventando così una forma umana senza peso, senza libertà di spazio o di prospettiva. curiosità:
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2007 Susan Maria Dimasi | Chantal Louise Mcdonald
Soft/Hard 07
Morbido/Rigido 07
Susan Maria Dimasi: Founder and Creative Director at Material by Product Morbido/Rigido 07 In questa collezione, “Soft” (morbido) è un modo per definire gli effetti del metodo di produzione artigianale, in cui i processi sono completamente interconnessi tra loro e in cui diversi strati di processo sono spesso sovrapposti per modellare una forma. “Hard” (rigido), al contrario, descrive un metodo di produzione in cui i risultati vengono raggiunti in pochi passaggi, in cui il processo può essere sequenziale ma non interconnesso. Chantal e Louise hanno costruito una nuova visione di moda basata sul processo “Hard”, sperimentando con la possibilità di cambiare la taglia degli abiti aprendo e chiudendo le pieghe del tessuto. L’artigianato e i dettagli fatti su misura sono fondamentali in questo processo.
2007 Susan Maria Dimasi, Chantal Louise Mcdonald
Posizione attuale:
Chantal Louise Mcdonald: Lecturer Fashion Design Industry Fellow at RMIT Universitytitolo concept:
Concept:
I tatuaggi sulla pelle e la decorazione a mano di tessuto georgette e calico bianco e nero sono degli elementi che sottolineano l’idea di un pattern dal taglio innovativo, che si colloca in un range tra la taglia 38 e la 48.curiosità:
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2006 Joan Tarragó Pampalona | Karen Scholz
Tripscils
2007 Louise Crawford
The reject / La reietta
Knitwear designer for HIROKO KOSHINO La reietta La collezione di Louise Crawford nasce da un racconto futuristico. In un giorno chiamato domani, dove tutto è prodotto in massa dalle macchine, anche le persone sono un prodotto di massa, destinate a loro volta a diventare consumatori di massa. La musa di Louise è the Reject, prodotta dalle macchine ma poi rifiutata perché non consuma e non segue le tendenze. Vive in un mondo tutto suo, dove non ci sono soldi, non c’è età, non c’è moda, non ci sono aziende, non c’è sesso, non c’è razza... Crede nelle forme estrapolate dalla vita quotidiana, che vengono ricamate sui suoi abiti. Oltre al significato politico di fondo, gli abiti vogliono concentrarsi sulla bellezza di essere senza età, giovinezza e vecchiaia, che portano con sé un eccentrico e spensierato senso di indulgenza.
2007 Louise Crawford
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titolo concept:
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2008 David Steinhorst
In between / Nel mezzo
/ Nel mezzo David parte dagli Anni Venti del Novecento. Guardando agli elementi dell’Art Deco, ha trovato ispirazione nella combinazione tra forme morbide, eleganti ed elementi più definiti e grafici dell’epoca. Lasciando che queste forme in parte decorative, morbide e femminili si incontrassero con un tocco ed elementi industriali più avventurosi, ha creato un qualcosa di una femminilità più moderna, un’eleganza rigogliosa, ma calma ed equilibrata. All’interno dell’abito usa cotoni spazzolati, ammorbiditi e seta, dandoci una sensazione di lusso, una particolare esperienza tattile per l’indossatore. Sulla parte esterna, invece, impiega zip metalliche e poliestere, abbracciando il progresso e la modernità.
2008 David Steinhorst
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titolo concept:
Concept:
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2014 Jae Woo Lee
Dis.Connect / Dis.Connessione
/ Dis.Connessione La collezione di Jae Woo Lee, fortemente influenzata dalla sua prima educazione artistica (ha iniziato i suoi primi corsi di disegno e pittura all’età di nove anni) è fatta in lana double face strappata con tagli geometrici e cuciture spesse. Le forme strappate e rifinite a mano si uniscono a impunture a rete, dalle tonalità pop: ogni abito è un’opera d’arte, e pende dal corpo con una forma geometrica tridimensionale.
2014 Jae Woo Lee
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Concept:
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Proseguiamo con Shie Lyu. Il titolo del suo concept è “Precisione”
2019 Shie Lyu
2019 Shie Lyu Dress
PRECISION
Siamo davanti all’esempio di una designer che è arrivata alla moda a seguito di studi completamente diversi, nel suo caso economici. Grazie alla sua esperienza nella gestione finanziaria e alla sua passione per i modelli matematici, le sue creazioni sono meticolose, quasi ossessive costruzioni tessili che simboleggiano la sua passione per le sequenze matematiche, per la tecnologia, i devices tecnologici e per l’esercizio di precisione. La ripetizione delle forme geometriche è infatti alla base dell’abito. Dietro all’abito potete apprezzare parte degli allegati al suo portfolio, che permettono di vedere da vicino alcune delle lavorazioni e dei materiali, come ad esempio il plexiglass.
Own line Shie Lyu Precisione Shie fonde tradizione e modernità per creare un’eleganza futuristica. Per questa collezione ha utilizzato tecniche tradizionali di couture su materiali inusuali come tubi di silicone riciclati, perspex sagomato, crine di nylon e tubi in gomma termoretraibile, ottenendo così tessuti e silhouettes dall’aspetto futuristico. Grazie alla sua esperienza nella gestione finanziaria e nell’utilizzo di dati e modelli matematici, le sue creazioni, prima che abiti, sono delle meticolose costruzioni tessili che evocano la tecnofilia (passione sfrenata per la tecnologia e i devices tecnologici) come esercizio di precisione.
2019 Shie Lyu
Posizione attuale:
titolo concept:
Concept:
curiosità:
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LA GUIDA FA ANCHE VEDERE GLI ALLEGATI AL PORTFOLIO DI SHIE LYU CHE SONO COLLOCATI NELLA SCATOLA DIFRONTE ALL’ ABITO
Qui invece abbiamo Michael Van Der Ham:
2009 Michael Van der Ham
2009 Michael Van Der Ham Fashion
FALL/WINTER 2009
Michael ha creato uno stile molto riconoscibile, che è stato ispirato da un progetto di Andy Warhol negli anni Settanta per una mostra curata da Diana Vreeland (curatrice famosissima per aver in un certo senso rivoluzionato il concetto di “mostra di moda”). Warhol aveva creato 3 look patchwork simili, nella modalità tecnica, a quello che vedete davanti a voi, prendendo ispirazione da abiti di epoche diverse. Michael ha esploso questa idea sperimentando centinaia di combinazioni diverse, rendendo omaggio a vari decenni della storia della moda e facendo riferimento a vari designer icone come Diane Von Furstenberg, Halston, Oscar de la Renta, e Valentino. In quest’abito, ad esempio, sono particolarmente riconoscibili i drappeggi di Madame Grès, nella lunga gonna. Il marchio eponimo di Michael ha avuto un grandissimo successo, vestendo attrici come Keira Knightley e Diane Kruger oltre a first lady come Michelle Obama e cantanti come Bjork, che lo ha indossato numerose volte.
Freelance Designer and Consultant at Michael Van Der Ham Autunno/Inverno 2009 Michael ha creato una collezione di abiti da sera unendo dettagli di couture di diversi decenni. Tutto è partito dai tre abiti disegnati da Andy Warhol negli anni Settanta per una mostra curata da Diana Vreeland: ognuno di essi era stato creato partendo dagli abiti di altri grandi designers dell’epoca come Diane Von Furstenberg, Halston, Oscar de la Renta, Valentino. La manica di uno degli abiti, ad esempio, era stata attaccata ad un altro abito. Per Michael, la vera sfida è stata infondere un senso di unità a degli stili apparentemente contrastanti. Ne è stato sicuramente all’altezza: è partito dagli abiti da sera degli anni Sessanta e Settanta, allargandosi poi anche a quelli degli anni Venti e Cinquanta: nasce così una mescolanza di stili coerente, che racconta la storia della moda nel Ventesimo Secolo.
2009 Michael Van Der Ham
Posizione attuale:
titolo concept:
Concept:
curiosità:
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Di fronte troviamo Valentim Manuel Estavao Quaresma con questo straordinario “collare” di spilli.
2008 Valentim Manuel Estevao Quaresma
2008 Valentim Manuel Estevão Quaresma Bodypiece
WORK IN PROGRESS
Una storia interessante quella di quest’opera, perché rimasta per 15 anni riposta nel nostro archivio, non visibile al pubblico perché danneggiata. La complessità tecnica è tale che solamente l’artista stesso poteva restaurarla, ed infatti Valentim nel 2021 è tornato per ricostruirlo. La tecnica è una sua invenzione, utilizzando parti meccaniche, molle e pezzi di recupero per creare accessori molto scenici e futuristici. In questo caso, prevede un corpo centrale sui cui poi vengono affissi centinaia di spilli. Ogni singolo elemento così creato ha poi la capacità di essere abbinato a quello successivo, tramite un gioco di incastri. La sensazione finale di questo accessorio dall’aspetto organico dà l’illusione che sia stata la natura stessa ad assemblarlo.
Lavori in corso Valentim crea una fusione di elementi tecnologici e meccanici. In questa collezione ha creato degli accessori dall’aspetto organico, come se fossero stati creati dalla natura.
2008 Valentim Manuel Estevão Quaresma
Posizione attuale:
titolo concept:
Concept:
Ha voluto dare l’impressione che ogni pezzo sia in costante crescita e metamorfosi, attraverso meccanismi che lo fanno crescere, proprio come la natura e il tempo agiscono sulla crescita di una forma di vita. Il contrasto tra passato e futuro è reso dalla ruggine (che dona alla collezione un tocco steampunk post atomico) e dall’argento che rappresenta il futuro.
Anche il processo di sviluppo è molto affascinante: Valentim ha deciso di non usare nessun macchinario, ed ha lavorato come un artigiano del medioevo, a volte creando degli strumenti specifici per ottenere i suoi accessori.curiosità:
Immagini
Concludiamo la panoramica con questa scarpa di Caroline Holzhuber
2014 Caroline Holzhuber
2014 Caroline Holzhuber Shoe
CONJOINED ILLUSION
Artista footwear estremamente particolare, votata all’estremo nelle forme, è riuscita a ritagliarsi uno spazio di rilievo nel panorama della “scarpa” con il suo marchio eponimo, vestendo più di una celebrità (da Erika Badu a Skin degli Skunk Anansie). In questo caso tocca la deriva più estrema e artistica di un’estetica solamente sua, fortemente riconoscibile. In questo caso tutto era incentrato sul riflesso dell’immagine, sui gemelli siamesi, sulla specularità, creando scarpe che non fossero solamente installazioni artistiche ma che potessero, seppur in modo estremo, essere indossate.
L’obiettivo è di confondere, di catturare la nostra attenzione, di sfidare i nostri occhi e la nostra mente, come se avessimo a che fare con illusioni ottiche.
Illusione congiunta Mirroring, visual illlusions and conjoined twins were part of the inspiration for this footwear collection. Every pair consists of four carbon fiber soles connected in different ways.
2014 Carolin Holzhuber
Posizione attuale:
titolo concept:
Concept:
Visual illusions and mirroring are sometimes hard to understand for the brain, the cognitive faculty gets irritated.
If objects are looked at from different perspectives they appear to change shape, even though they remain the same. These designs confuse, disturb and capture the attention of the viewer, challenging the eyes and the mind.curiosità:
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2014 Katherine Roberts-Wood
Synch / Sincro
Designer & Founder ROBERTS | WOOD Sincro Katherine ha sviluppato una tecnica con la quale una singola unità di tessuto può essere ripetuta, dando vita ad un pattern innovativo. I pezzi di tessuto vengono uniti l’uno all’altro grazie alla loro struttura particolare, che ricrea quel conflitto tra leggi naturali e leggi matematiche alla base del suo lavoro. I pezzi, tagliati al laser, creano strutture di tessuto simili a forme biomorfe in movimento. Il tessuto sembra una pelle animale, dalla forma geometrica, che cambia colore a seconda del movimento della donna che lo indossa, permettendole così di emergere o fondersi con ciò che la circonda. La tecnica utilizzata in questa collezione è il punto di partenza verso un approccio più sostenibile di Katherine verso la produzione di abiti: trovare tecniche di collegamento tra tessuti che puntano a zero waste e poco spreco.
2014 Katherine Roberts-Wood
Posizione attuale:
titolo concept:
Concept:
curiosità:
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2015 Nadide Begum Yildirim
Dictated / Dettato
Dettato Basata su un’esperienza personale di chirurgia mandibolare ricostruttiva, la collezione di Nadide esplora la relazione tra l’identità ed il corpo, mettendo in dubbio la necessità di raggiungere una bellezza ideale imposta dalla massa. Può il nostro corpo, seppur imperfetto, essere comunque il punto di partenza per delle creazioni meravigliose? Possono queste creazioni identificare gli sforzi del corpo contro la dittatura dell’oggetto, che lo costringe a rientrare in determinati codici estetici?
2015 Nadide Begum Yildirim
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I suoi accessori si trovano a metà tra un prodotto concettualmente astratto e uno orientato verso l’oggettività. Gli oggetti convenzionali si trasformano così in delle sculture, con un design fatto di vetro, metallo e pelle.curiosità:
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2006 Heather Blake
Industrial baroque / Barocco Industriale
Barocco industriale La collezione di Heather parte dalla progettazione architettonica in 3D, con le sue forme organiche e le sue curve barocche, le sue trasparenze e le sue luci. È una collezione costruita sulla tradizione, che abbraccia la tecnologia con un nuovo approccio alla costruzione di calzature dalle forme sovrapposte, con spazi negativi e positivi. Insospettabili parti della scarpa vengono tagliate per scoprire il piede mentre gli spazi negativi si aprono a trame e materiali contrastanti. La relazione tra forma e luce è fondamentale, con quest’ultima che viene creata con laser, fibre ottiche e plastiche fluorescenti. I materiali variano dal trasparente all’opaco. Dettagli rigidi in argento scintillante creano dei riflessi, mentre il chiaroscuro viene scolpito in maniera sottile dalle ombre create dalle forme. Una palette monocromatica, in cui la combinazione di materiali crea un sussulto, un contrasto tra banale ed esotico.
2006 Heather Blake
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Le superfici viscide e luminose in Perspex e lacca si contrappongono ad un morbido scamosciato, all’argento riflettente, alle fibre ottiche e ad un scintillante Shagreen. Le calzature di Heather vanno indossate da una donna teatrale, sicura di sé. Una donna capace di usare i propri indumenti per trasformarsi e cambiare la propria identità, per diventare più bella o creare un’illusione.curiosità:
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2014 Zoe Waters
Obnoxious / Detestabile
Designer at FLOOR SIX Detestabile Zoe crea la sua collezione partendo dalle giacche di pelle e dal packaging. Ha analizzato in particolare la struttura delle scatole di cartone, ricreandola nel taglio dei suoi abiti ma senza perdere le caratteristiche della giacca. I suoi capi sono oversize, fortemente stratificati, e creano delle silhouette dal carattere forte. Grazie all’aggiunta delle zip, l’indossatore può cambiare la struttura dei pezzi assemblando diversi pannelli: le sue giacche possono essere distese completamente, come una scatola di cartone piegata.
2014 Zoe Waters
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2011 Ruth Green
Blurred vision / Visione sfocata
Independent Senior Knitwear Designer Visione sfocata Ruth si è ispirata all’opera di Egon Schiele e alla fotografia di Francis Giacobetti, combinandoli alla pulizia grafica dei poster della Bauhaus. Ha elaborato e ridefinito i limiti della tecnica di intarsio, usando lana di pecora infeltrita e viscosa per fondere il tutto in pezzi strutturati. I suoi outfit raccontano un viaggio attraverso colori e texture, passando per accostamenti ora dolci, ora più netti e audaci o percorsi da linee grafiche. Crea un contrasto tra chiffon delicati e forme abbondanti, pezzi luminosi e scultorei con maglieria sexy a tinta unita, riempiendo i vuoti e combinando consistenze differenti.
2011 Ruth Green Roberts
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- Arte Spontanea
LA GUIDA SI POSIZIONA DAVANTI ALL’ABITO DI HANA YAGI:
Il termine ART BRUT (che in italiano tradurremmo letteralmente come Arte grezza, ma anche come ARTE SPONTANEA) è nato nel 1945 per volontà dal pittore francese Jean Dubuffet, ad indicare le produzioni artistiche di coloro che non erano artisti di professione, e soprattutto di coloro che usavano l’arte come cura (bambini e degenti di ospedali); persone quindi che non utilizzano estetiche convenzionali e che quindi realizzano un'arte spontanea e senza secondi fini.
Le opere che ritroviamo in questo raggruppamento ne sono un’esempio: un nuovo folklore di emozioni ricamate fatto di filati, cinghie, ciniglia, maglieria e patchwork, testimonianza di un rinnovato interesse per le tecniche artigianali dimenticate. Forme urbane, della gente umile, che tessono un’utopia delle apparenze, in conflitto con il mondo e i suoi eccessi.
L’abito di Mark Goldenberg, ad esempio, che rivela il suo concept “Uccello intrecciato”.
2012 Mark Goldenberg
2012 Mark Goldenberg Dress
WOVEN BIRD
Artista israeliano, Mark da ragazzo portava sempre a casa degli uccellini feriti per curarli, sognando di diventare uno zoologo. Come spesso accade in campo artistico, ci si ispira al lavoro di un altro artista, e in questo caso Mark guarda alle opere di Naum Gabo, noto per le sue installazioni in filo di ferro che richiamano le strutture ossee degli uccelli, da lui tanto amati. Nella sua collezione Mark parte da una silhouette base, trattandola come uno scheletro su cui applicare "carne" e “piume".
Fashion Designer at Pierre Cardin Israel Uccello intrecciato Da ragazzo Mark portava sempre a casa degli uccellini feriti per curarli, perché sognava di diventare uno zoologo. Ciò che lo affascinava particolarmente era la struttura ossea delle loro ali, e questo lo ha avvicinato al lavoro dell’artista Naum Gabo, le cui sculture in filo metallico ricordano la forma delle ali di un uccello. Nella sua collezione ha utilizzato sottili bacchette di metallo ricoperte da motivi circolari di lana e filati di cotone, con dei colori che ricordano le fantasie sulle ali degli uccelli esotici. Tutti gli indumenti sono tessuti a mano: alcuni in particolare sono avvolti su delicate costruzioni in filo metallico, altri sono stati fatti usando un telaio. L’intero processo, basato più sull’intuizione che sulla progettazione, è stato fatto da autodidatta: Mark è partito infatti da una silhouette base, trattandola come uno scheletro su cui applicare “carne” e “piume”. L'abito blu è stato usato sulla copertina del libro "Fashion 2", curato da Friederike Krump ed edito da Alt/Cramer Gmbh e pubblicato nel 2012.
2012 Mark Goldenberg
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Editor in Chief for Con Art Magazinetitolo concept:
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2013 Emilie Marciasini
Future exoticism / Esotismo del futuro
/ Esotismo del futuro La natura si sta evolvendo, il nostro ambiente sta cambiando. Che aspetto avranno gli animali in futuro? Nella collezione le pellicce si alleggeriscono, i colori e le trame cambiano e i capi di lusso diventano un patchwork di queste nuove estetiche. Amélie ha creato dei materiali nuovi, unendoli a quelli già esistenti: in questo modo ha riscoperto la bellezza nei tessuti scartati, negli scampoli e nelle parti inutilizzate della pelliccia animale. Negli outfit l’elemento chiave è l’uso del colore, che applicato su ogni singolo pezzo crea una silhouette alternativa. La donna moderna e nomade di Amélie indossa una visione.
2011 Amélie Marciasini
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2019 Cecilia del Carmen Huarez Balta
Trasfigurandoinfinlameraviglia
/ Trasfigurandoinfinlameraviglia La sostanza può trasformare l’aspetto originale delle forme, rendendo irriconoscibile la nostra fisionomia. Può creare uno stato di ambiguità, di meraviglia, che seppur nascosta è sempre pronta ad emergere da questa massa senza forma. Cecilia elimina le convenzionali regole di bellezza, rendendo sempre più sottile quella linea che separa bello e brutto. La sua collezione, che trasfigura le forme del corpo, prende ispirazione dalle sue origini peruviane.
2019 Cecilia Del Carmen Juarez Balta
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2013 Paola Cheng
The beast within / La bestia dentro
Beauty Entrepeneur La bestia dentro Paula è partita dagli animali nella mitologia Greca, e in particolare da come viene rappresentata la loro relazione con gli umani nella storia dell’arte. Temute, venerate e sacrificate, queste creature mitiche riflettono la cultura e i sentimenti della società dell’epoca, rappresentando l’ideologia e la superiorità dell’essere umano. I colori rimandano alle sfumature di grigio tipiche delle sculture classiche, mentre lana, mohair di seta, viscosa, lurex e nylon danno vita a una sperimentazione di tipo organico. Un vero e proprio “bestiario” che esplora il simbolismo del primitivismo, del sacrificio, dell’innocenza, dell’ammirazione, della forza, della crudeltà e dell’amore tra due esseri supremi.
2013 Paula Cheng
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Qui in questa scatola troviamo una creazione di Demna:
2004 Demna Belt
Demna , finalista e vincitore ad ITS nel 2004 è un’artista georgiano, fuggito a 12 anni con la famiglia come profugo della Guerra Georgiano-Russa. Il suo percorso professionale è stato importantissimo, con passaggi in marchi del calibro di Louis Vuitton e Margiela prima di approdare alla direzione creativa di Balenciaga, posizione che occupa tuttora. A ITS vinse il premio principale, Collection of the Year, quando era ancora al 2° anno di studi del corso di moda quadriennale, caso piuttosto unico. Ed è il fratello a iscriverlo, a sua insaputa. Il legame con ITS è fortissimo, Demna è ritornato in giuria più volte. L’ultima nel 2022, sottolineando come ITS sia stata tappa fondamentale per lanciare la sua carriera.
Gli inizi non sono stati facili. Il padre lo avrebbe voluto in economia e Demna ha dovuto combattere per seguire la sua passione: scelta giusta, visto che ha rivoluzionato la moda degli ultimi dieci anni lasciando un segno indelebile nella storia.
La cintura che state guardando ci è stata donata da Demna ed è l’ultimo pezzo rimasto del suo progetto di laurea del 2006 intitolato”Fatto ad Anversa". La collezione rappresentava una sorta di tributo alla città che lo ha accolto durante i 4 anni fondamentali di studio presso la Hogeschool Antwerpen. In quel periodo, Demna ha imparato a conoscere la storia di Anversa, immergendosi nel background e nello stile di vita dei marinai e dei porti, a cui ha fatto riferimento attraverso le tecniche di annodatura, i cardigan oversize in maglia di lana e i trench modellati sugli "Tzitzis", le vesti squadrate ebraiche. Un progetto in parte autobiografico, che descrive gli alti e bassi, gli innamoramenti e le rotture, e tutto il bagaglio di esperienze e difficoltà dietro alla sua collezione di laurea. Demna molto gentilmente ci ha promesso che farà di tutto per far riprodurre uno degli abiti ad una delle sue sarte in Balenciaga, per includerlo nella nostra collezione.
Completamente vestito senza un sorriso Cintura donata da Demna, dal suo progetto di laurea del 2006 “Made in Antwerp”. La collezione rappresentava una sorta di tributo alla città che lo ha accolto durante i 4 anni fondamentali di studio presso la Hogeschool Antwerpen. In quel periodo ha imparato a conoscere la storia di Anversa, immergendosi nel background e nello stile di vita dei marinai e dei porti, a cui ha fatto riferimento attraverso le tecniche di annodatura, i cardigan oversize in maglia di lana, i trench modellati sugli “Tzitzis”, le vesti squadrate ebraiche. È anche in parte autobiografico, in quanto descrive gli alti e bassi, gli innamoramenti e le rotture, e tutto il bagaglio di esperienze e difficoltà dietro alla sua collezione di laurea.
2004 Demna Gvasalia
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Davanti a noi l'abito di Nicolas Di Felice :
2008 Nicolas Di Felice
2008 Nicolas Di Felice Fashion
NOW YOU KNOW/ HEAVY BEATS FOR BROKEN HEARTS
Nicolas è stato selezionato come finalista due volte per ITS Contest. Il regolamento infatti non lo vieta ed è successo anche con altri designer, in passato.
La fonte della sua ispirazione per questa collezione e’ una musa immaginaria una donna libera da ogni preoccupazione, che balla circondata dalla musica degli altoparlanti. Nicolas sta celebrando l’estetica, la spensieratezza e lo stile di vita dei festival musicali. Il drappeggio della giacca, ad esempio, richiama le lenzuola messe sulle spalle alla bene e meglio dopo un paio d’ore di sonno in una tenda. La carriera di Nicolas, a seguito di ITS, è eccellente: 7 anni a capo del womenswear di Louis Vuitton, altri 7 per Dior Haute Couture, e 6 anni in Balenciaga prima di approdare alla direzione artistica della Maison Courrèges.
Creative Director at Courrèges Ora lo sai/Ritmi forti per cuori spezzati “Non conta più niente. Avvolti dagli altoparlanti, i corpi diventano un tutt’uno con la musica. I testi trascendono ed entrano nella sua pelle. Lei continua a ballare. Balla da sola, niente ha più importanza. Sta bene, è libera. Elle est au paradis”. Con queste parole, Nicolas presenta una collezione ispirata alla cultura dei festival musicali, che porta letteralmente la forma e l’estetica degli altoparlanti nei suoi abiti. I drappeggi dei tessuti ricordano le coperte messe sulle spalle dopo un paio d’ore di sonno in una tenda. È una donna spensierata, lontana anni luce da preoccupazioni e decisioni.
2008 Nicolas Di Felice
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Alla sua sinistra Matthieu Blazy
2006 Matthieu Blazy
2006 Matthieu Blazy Fashion
UNTITLED
La collezione da cui proviene l’abito guarda alla geologia e alla trascrizione grafica di fenomeni scientifici: le sezioni trasversali, le mappe lineari di altitudine, il mondo minerale. Al tempo stesso, si ispira a come rocce e mineralisono state utilizzate nel mobilio e nell’architettura rococò. Storia unica, quella di Mattiheu. Dopo la sfilata di ITS si trovò a parlare con uno sconosciuto, confessandogli la sua passione per il designer Raf Simons e il sogno di lavorare con lui. Quello sconosciuto era proprio Raf Simons, che lo portò con sé a lavorare. L’inizio di una amicizia e di una collaborazione creativa ventennale. Carriera importantissima quella di Matthieu: disegna prima per Raf Simons, poi Dior, poi diventa il famoso “secret designer” svelato dall’icona del giornalismo di moda Suzy Menkes. Approda a Calvin Klein, sempre con Raf per poi diventare il direttore creativo di Bottega Veneta.
Creative Director at Bottega Veneta Senza titolo Questa collezione parte dalla trascrizione grafica dei fenomeni scientifici, delle straordinarie curiosità sulla natura (sezioni geologiche trasversali, rocce cristallizzate) e dal modo in cui i materiali sono stati usati nel mobilio e nell’architettura rococò. Matthieu vuole sintetizzare Luglio 2006. Ai tempi pochi conoscevano il volto di Raf Simons, che si faceva fotografare raramente. la sera dell'evento, Matthieu chiacchera con una persona conosciuta sul momento. I due iniziano a parlare di quali fossero i loro designer preferiti, chi vorrebbero incontrare e con chi vorrebbero lavorare. "Mi piacerebbe moltissimo poter presentare il mio lavoro a Raf Simons". Risposta: "sono io, mi piace molto il tuo lavoro, vieni a lavorare con me". L'inizio di una amicizia, e di una collaborazione, che dura da allora.
2006 Matthieu Blazy
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le forme naturali riorganizzandole sul corpo: crea degli abiti molto grafici, a righe bianche e nere, che richiamano appunti scientifici e danno risalto alla separazione degli elementi. curiosità:
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2020 Maria Bika
Moving in silence_Footwear for internatization
Muoversi in silenzio - Calzature per l'internalizzazione
Muoversi in silenzio_Calzature per l'internalizzazione Con la sua collezione di calzature, Maria Bika punta a materializzare il silenzio: i suoi artefatti sottolineano l’importanza della consapevolezza di noi stessi nella cultura contemporanea, diventando uno strumento di internalizzazione, che propone una nuova dimensione dello spazio. Disegnando le sue calzature, Maria esplora nuove possibilità, trattando i limiti del movimento come uno strumento che dà voce alla consapevolezza di noi stessi. Questo è un concetto espresso dalla parola Ensō, o “Cerchio dell’illuminazione”, che incarna uno dei principali punti del Buddismo Zen, il concetto della “non mente”. Uno stato di “non mente” si ha quando una persona è libera da ogni pensiero, emozione, in una assoluta esperienza del momento presente. Nelle sue calzature, i piedi diventano un collegamento tra mente e corpo e permettono di raggiungere uno stato di silenzio assoluto.
2020 Maria Bika
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2012 Tamar Areshidze
Expressio
“Se non posso volare, sono già morto.” Questo verso del poeta georgiano Terenti Graneli riassume in modo appropriato la collezione, in cui Tamar ha cercato di esprimere la condizione di una persona che sente di poter volare. Una persona convinta di non essere nata per vivere ed essere felice in modo “normale”, ma che è bloccata da un fardello che la tiene ancorata alla terra e alla realtà. Tamar traduce questo concetto con delle calzature il cui tacco sembra staccato, come se chi le indossa stesse volando, anche se questa è un’illusione.
2012 Tamar Areshidze
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Le forme sono ispirate dagli “slot canyons”, formazioni naturali che dimostrano la resistenza della roccia e la leggerezza scorrevole dell’acqua.curiosità:
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2009 Chau Har Lee
Untitled / Senza titolo
2013 Cat Potter
Pernilla
Questa collezione prende ispirazione dall’artista Ricky Swallow, che con la sua grande abilità nell’intaglio, crea delle forme delicate, causando un cambiamento nella percezione del materiale.
2013 Cat Potter
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Le scarpe di Cat Potter si allontanano dalle calzature tradizionali, annullando il confine tra scarpa e oggetto d’arte. Basate su un’originale interpretazione dell’architettura e della scultura, i pezzi della collezione sono delle sofisticate ed eleganti sculture fatte in legno di noce, sapele (albero africano) e pero che all’interno tracciano la silhouette del piede, mentre all’esterno nascondono il suo profilo.curiosità:
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2019 Hana Yagi
Ort Couture / Ort Couture
/ Ort Couture I genitori di Hana erano degli artigiani esperti nella riparazione di tetti. Per questo motivo, riparare gli oggetti le viene naturale. La collezione parla del suo passato, delle sue radici giapponesi: gli outifit utilizzano elementi di uso quotidiano, come carta, argilla e vecchi tessuti. Troviamo anche la tecnica di finitura tradizionale Urushi, con la quale i materiali si solidificano aggiungendo una patina lucida sulla superficie, e prende spunto anche dal Kintsugi, l’arte giapponese di riparazione della ceramica con polvere d’oro. Per presentare la sua collezione, insieme al portfolio ha inviato delle bambole fatte a mano, dei manichini in miniatura che indossano i suoi abiti.
2019 Hana Yagi
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2002 Daniele Controversio
The Irony of fashion: an intimate procession for an extraordinary courting
L'ironia della moda: una processione intima per un corteggiamento straordinario
Men and Women Design Director at Trussardi L'ironia della moda - una processione intima per un corteggiamento straordinario La collezione di Daniele si basa sull’universo dei ‘Freak Show’ e sulla mania del Fashion Styling, che invade riviste e servizi fotografici di moda, trasformando i modelli in veri e propri fenomeni da baraccone: da qui nasce la sua collezione, che parte dai “mostri” del passato per creare dei mostri contemporanei. Gli abiti sono caratterizzati da una equilibrata combinazione tra reale e fittizio: in ognuno troviamo stampe di occhi, capelli e bocche ritagliati dai servizi fotografici dei più famosi designer dell’epoca, oltre a cani e accessori stampati su carta. Che cos’è la moda allora? È qualcosa di vero o qualcosa che ha perso il suo scopo iniziale trasformandosi in un vero e proprio incubo?
2002 Daniele Controversio
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2019 Anni Salonen
Born to go / Nato per partire
/ Nato per partire Punto di partenza per questo progetto è stato un viaggio nell’est Europa, durante il quale Anni ha vissuto per alcuni mesi solo con ciò che riusciva a portare nello zaino. Questo ha cambiato le sue priorità, mettendo in discussione cosa è realmente utile, significativo e necessario. Si è ispirata ai nomadi new age,frequentatori di festival e rave, che vivono e viaggiano in furgoncini, bus dell'epoca hippy e carri trainati da cavalli, scappando dalle regole, dalla noia e dal materialismo della loro vita di ogni giorno. Per raccontare la sua storia, Anni ha unito sciarpe di seconda mano con fantasia paisley a nido d'ape a felpe colorate con il tie-dye, maglioni scoloriti, bomber e parka.
2019 Anni Salonen
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2018 Laura Lowena e Emma Chopova
Folkloric sportswear / Abbigliamento sportivo folcloristico
Own line CHOPOVA LOWENA Abbigliamento sportivo folcloristico Una fusione tra costumi tradizionali bulgari e abbigliamento tecnico da arrampicata degli anni Ottanta. Elementi all’apparenza contrastanti, ma uniti da Emma
2018 Laura Lowena | Emma Chopova
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e Laura in una collezione forte e coerente, grazie a colori accesi, decorazioni in metallo ed elementi grafici caratteristici che i due stili condividono. Per dare un twist moderno al folklore, hanno combinato tessuti tradizionali bulgari, accessori da arrampicata e tessuti sintetici.
Il risultato sono delle gonne plissé sospese, agganciate al corpo grazie a una serie di imbracature e corde. Sono disposte a strati utilizzando dei moschettoni, che creano una varietà di elementi in movimento.curiosità:
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2014 Anita Hirlekar
Untitled / Senza titolo
Own line Anita Hirlekar Senza Titolo Anita trasforma degli elementi tradizionali rendendoli contemporanei. Partendo da un antico campionario di aghi e da una silhouette pulita, ha voluto incentrare il suo lavoro sul ricamo. Il retro dei suoi outfit sembra un disegno artistico: per questo, i suoi abiti sono una via di mezzo tra un dipinto e uno schizzo. Anita usa il ricamo per rievocare delle emozioni, sottolineando le qualità dell’artigianato. Nasce così una contrapposizione tra le silhouette pulite, il glamour e il comfort. Ha vestito Skunk Anansie
2014 Anita Hirlekar
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2003 Slobodan Mihailovic
My heart beats just for you / Il mio cuore batte solo per te
Head Designer Knitwear Womens and Mens at Versace Il mio cuore batte solo per te Slobodan Mihajlovic costruisce la sua collezione come una storia di tre capitoli. È la storia di un cuore spezzato, delle gioie, delle pene d’amore e di come esse tocchino i nostri cuori. Nel primo atto, il nostro cuore è vuoto, pronto ad accogliere qualcuno: gli diamo la nostra chiave, gli diamo fiducia con il nostro amore. Nel secondo atto, il nostro cuore batte solo per il nostro amore, batte più forte che mai. Quando il nostro amore se ne va il nostro cuore è spezzato, è sempre più fragile. Cerchiamo protezione, un amico con il quale aprirci, aprire la nostra mente per sopravvivere alla mancanza di chi amavamo. Gli abiti di Slobodan, grazie all’uso della maglieria, ricreano questi sentimenti. Tutto ruota attorno all’estetica del cuore nel suo viaggio d’amore.
2003 Slobodan Mihajlović
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Head Designer Knitwear and Jersay at Ann Demeulemeester
Lecturer and Leading Teacher Masters in Knitwear at Polimodatitolo concept:
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